A magia de Georges Melies
Naqueles anos, os cineastas estavam em um estado de competição feroz entre si. Isso os forçou a melhorar seus produtos o tempo todo, para torná-los mais atraentes para o espectador. Os diretores tentaram dominar os truques do cinema e ao mesmo tempo focaram no mundo da feira, além da arte do circo, da pantomima e do entretenimento da aviação (tirar fotos de balões).
Os cineastas mudos russos inspiraram-se no trabalho do notável mestre francês da fotografia de dublês Georges Méliès (1861-1938). Este inovador e inventor, incansável nas invenções, dedicou toda a sua vida ao cinema. Tendo montado uma fábrica de cinema em seu quintal, ele experimentou incansavelmente o movimento da fita, enchendo os filmes com uma cascata de acrobacias. Recorreu a múltiplas exposições, dando vida a fantasmas translúcidos, dando vida às gravuras, personificando utensílios domésticos. Os heróis de Méliès sabiam se dissolver no ar, pairar acima do solo e fazer malabarismos com suas próprias cabeças.
Ele trabalhou nos gêneros de extravagância, conto de fadas, história mística. Mas a maior fama foi trazida para o diretor da adaptação cinematográfica de Júlio Verne. Os filmes "Viagem à Lua" e "Viagem pelo Impossível" foram as primeiras andorinhas do tema espacial no cinema.
Os segredos de alguns truques cinematográficos de Melies não foram revelados até hoje. E as tomadas individuais de seus filmes se tornaram símbolos da época. Nós os encontramos nas capas e encadernações de publicações modernas de Júlio Verne e outros escritores de ficção científica. E nos pôsteres de filmes da época de Méliès, surgiram imagens deliberadamente simplificadas de submarinos, balões, foguetes em forma de latas de ferro e planetas com rostos humanos. Isso foi um reflexo da percepção ingênua do mundo em que se pode andar na lua sem um traje espacial e mover-se debaixo d'água em um batiscafo sem dispositivos de navegação. Mas o espectador não pensou nisso. Ele assistia a contos de fadas e admirava maravilhas do cinema.
Viagem espacial do Shogun para Chaumont
Ao lado do nome de Melies, cita-se outro talentoso cineasta mudo - o espanhol Segundo de Chaumont (1871-1929). Ele seguiu Méliès para trabalhar em filmes sobre viagens espaciais.
O talentoso espanhol começou como um especialista em coloração de filmes e obteve grande sucesso nisso. Ele foi um pioneiro dos filmes coloridos e recebeu encomendas de outros diretores para o processamento colorido de filmes. Mas então ele se deixou levar pelo trabalho do operador, e o jovem cineasta, tentando imitar Méliès, começou a criar um filme de ação atrás do outro. Ele era fascinado pelo tema espacial e, em 1908, uma paródia do filme de Melies "Uma Viagem à Lua" nasceu (Chaumont chamou o filme de "Excursão à Lua").
Um dos gadgets favoritos de Chaumont estava trabalhando com sombras contrastantes. Ele fez uso extensivo das conquistas do teatro de sombras chinês e, junto com heróis tridimensionais, criou silhuetas em preto e branco. Chaumont gostava especialmente de imagens de demônios e as tornava engraçadas ou assustadoras. Demônios, diabos e fantasmas eram densamente povoados nos filmes de Chaumont, e os truques do cinema tornavam esses personagens ainda mais expressivos. Personagens podem emergir do vazio, se desintegrar em pedaços e se dissolver no ar, e às vezes eles se transformam em sombras negras.
Experimentos com insetos
As incríveis técnicas introduzidas no cinema por Melies conquistaram o público, e é natural que esse talentoso diretor se tornasse amplamente conhecido não só na Europa Ocidental e nos Estados Unidos, mas também na Rússia. Naqueles anos, as fábricas de filmes nacionais competiam entre si e a engenhosidade era uma qualidade muito procurada. A demanda por pessoas criativas que pudessem falar o que pensavam no campo da fotografia de dublê era muito alta.
Vladislav Aleksandrovich Starevich (1882-1965) acabou por ser essa pessoa. Enquanto estudava no ginásio, Vladislav se interessou por entomologia e aprendeu muito sobre a vida dos insetos. Após terminar o ensino médio, o futuro diretor trabalhou como fotógrafo e ao mesmo tempo se mostrou um talentoso artista.
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Um belo dia, Vladislav decidiu gravar fitas sobre insetos. Neles, seu dom como cineasta foi plenamente realizado. Por exemplo, ele usou o método da fotografia lapso de tempo, conseguindo a ilusão de movimento de besouros, libélulas e borboletas. Essas fitas chocaram o público. O público se acostumou com a cinematografia desenhada e, de repente, um tipo completamente novo de cinematografia aparece. Se as imagens desenhadas pelo artista podem se mover na tela, por que coisas, bichos de pelúcia e "modelos" de besouros não podem se mover? E Starevich desdobrava na tela do cinema tipos de movimento até então incomuns - a dinâmica de brincar de modelos (é difícil chamar de besouros artificiais fantoches ou bonecos).
No início, Starevich tentou fazer filmes com insetos reais, mas, infelizmente, eles acabaram se revelando maus atores e não cederam ao treinamento. O diretor adoraria trabalhar com besouros de verdade, mas eles não podiam fazer na frente das câmeras o que o diretor queria. Tive que fazer "modelos" e trabalhar com eles. A ilusão era incrível. Os espectadores confundiram os insetos animados com os reais.
Guerra do barbo com o veado
Starevich dominou rapidamente as técnicas da fotografia acrobática. Ele combinou a credibilidade científica das imagens dos insetos com uma interpretação humorística dos personagens. A famosa Khanzhonkov Film Factory tornou-se a base de seu trabalho.
Em 1912, Starevich criou o filme "Bela Lucanida, ou a Guerra do Barbel com o Veado". Na tela, as batalhas irromperam em torno da bela esposa do rei dos besouros. O comportamento dos insetos no quadro é realista, o espectador acreditou no que estava acontecendo. Foi o primeiro filme de batalha de fantoches da história do cinema. A batalha dos besouros hoje parece um tanto arcaica, mas não há dúvida de que esse épico de batalha foi encenado por um homem de rica imaginação. A fita permaneceu na bilheteria após 1917, sendo muito procurada durante a era soviética.
Após a revolução, Starevich foi parar na França. Continuou a fazer filmes e a dirigir dublês, sendo o mais famoso o filme "Reinecke-fox" (baseado na obra de Goethe). E embora o filme tenha se tornado som, a raposa de Starevich se expressou muito na linguagem de gestos e expressões faciais. Os gadgets de filmes mudos permaneceram no arsenal do famoso mestre dos truques até o final de sua carreira.
Modelos do futuro
Em 1927, o famoso cineasta alemão Fritz Lang lançou o filme Metrópolis, que mostrava a cidade do futuro com contrastes marcantes entre a vida dos ricos e dos pobres. Enormes estruturas verticais eram adjacentes às artérias de transporte localizadas em vários níveis. O público se perguntou como isso foi feito. Afinal, a sensação de credibilidade era incrível.
A cidade foi filmada com maquetes. O movimento dos carros de brinquedo ao longo das rodovias foi registrado na fita usando o método da fotografia com lapso de tempo. Ao mesmo tempo, um truque importante do diretor foi o uso de muitos espelhos, graças aos quais os fragmentos das modelos foram duplicados e quadruplicados. Apesar de o uso de espelhos baratear o processo de produção, essa fita tornou-se a mais cara da história do cinema mudo na Alemanha.
Outro modelo de futuro que exigiu a maior engenhosidade dos cineastas foi o filme Aelita de Yakov Protazanov. É difícil acreditar que mais de 90 anos se passaram desde o lançamento desta fita. Protazanov se estabeleceu como um dos maiores diretores de filmes mudos russos. Ele corajosamente experimentou uma mudança brusca em close-ups e planos médios e foi quase o primeiro a usar truques cinematográficos que antecipavam o surrealismo: no filme "A Rainha de Espadas", ele refletiu a insanidade de Hermann através de um pesadelo na forma de um terrível entrelaçamento de laços de corda.
Aelita
Durante o período soviético, Protazanov não baixou a fasquia e continuou a criar obras-primas, no entanto, com o advento do som, depositou esperanças especiais nas técnicas de imagem e câmera.
A história da mulher marciana Aelita e a revolta em Marte se tornou o filme mais famoso do diretor, que influenciou não só a ficção doméstica, mas também a espacial mundial. Este filme inovador atraiu imediatamente a atenção não só dos cinéfilos, mas também dos mestres das artes decorativas e aplicadas. O decorador se deparou com uma tarefa importante e interessante - reproduzir o "ambiente de objetos" marciano.
O diretor corajosamente começou a usar as técnicas da arte futurista. A artista Alexandra Exter teve que criar um traje para a mulher marciana - Aelita (como, aliás, para outras personagens deste filme extraordinário). Um belo cocar, do qual varas afiadas parecidas com raios divergiam, fez Aelita (atriz Yulia Solntseva) uma verdadeira marciana. Além disso, ela se movia de uma maneira muito incomum. Numa época em que o cinema não conhecia o som, o movimento do palco e, sobretudo, a plasticidade das mãos, teve um papel importante. Aelita fez movimentos agudos e incomuns, e esta foi outra descoberta ousada.
O filme de Protazanov não foi o primeiro filme do mundo sobre a vida no espaço. Mas se tornou o primeiro longa-metragem de ficção espacial. “Aelita” é considerada uma obra-prima do cinema de ficção científica.
Revista: Segredos do século 20 №27, Andrey Dyachenko
